Introduction to Orchestration

•ter, 29/05/2012 • Deixe um comentário

Português – Русский

Hello Friends!

I know I’m in debt with the blog, to post more about many important topics, but my time has been too short. I’ll try to maintain the average of 1 big post per week until this full-agenda time passes on. I hope you apologize me! =)

So, let’s start today a new topic in the blog, Orchestration.

More than a technique, orchestration could be called an art. It’s one of the 4 specialities a good composer must have, and as Rimsky-Korsakov said in the preface of his treatise on orchestration:

For, just as a handbook of harmony, counterpoint, or form presents the student with harmonic or polyphonic matter, principles of construction, formal arrangement, and sound technical methods, but will never endow him with the talent for composition, so a treatise on orchestration can demonstrate how to produce a well-sounding chord of certain tone-quality, uniformly distributed, how to detach a melody from its harmonic setting, correct progression of parts, and solve all such problems, but will never be able to teach the art of poetic orchestration. To orchestrate is to create, and this is something which cannot be taught.


The power of subtle orchestration is a secret impossible to transmit, and the composer who possesses this secret should value it highly, and never debase it to the level of a mere collection of formulæ learned by heart.

It’s exactly what I think. To orchestrate isn’t a set of rules, but like all the forms of the musical performance, is part of an expression, of an esthetic, of a feeling. Orchestrate is deeply linked to compositional process, so important as melodic, harmonic, rythmic questions…to let orchestration a step below this is a capital error.

Aleksandr Glazunov, a great russian composer and orchestrator, divided the excellence in orchestration in three levels:

1. When the orchestra sound well, playing from sight; magnificent, after a few rehearsals;
2. When effects cannot be brought off except with the greatest care and attention on the part of conductor and players;
3. When the orchestra never sounds well.

Evidently, the main goal is to obtain the first level, always. Obviously, hardly anyone will produce master pieces everyday, but a master piece only appears after lots of practice (and good ideas, too). To practice everyday (or sometimes by the week) is a great way to achieve this experience, this fluency in various instruments, essencial to develop this “poetic sense” Rimsky-Korsakov said.

“But Korsakov said that there aren’t sets of rules/formulae to form a good orchestrator, right? So why is there so many treatises and rules about orchestration?” Many of you may be asking now. Indeed, there is a lot of this. But, as music isn’t a constant, an exact science, there is didactical rules (made to teach some aspect and restrict on it the focus), there’s stylistic rules (different genres, different aesthetics) and general rules. In hands of an expert composer all rules can be broken, bent or expanded…you just must have imagination and a good judgment. And practice.

I like to imagine orchestration as a painting: if the music were a picture, the colors would come from orchestration. This parallel is so commom that various composers and musicologists say terms like “tone color”, “music color”, “orchestra colors”… there is also the technique klangfarbenmelodie (sound-color melody), coined by Schönberg. Recently, in a class with Eduardo Camenietzki, I had a broaden view of this concept.

He said he like to think on orchestration by the theory Wassily Kandinsky coined, the point, line and plane. All can be reduced to these three elements and its mixtures. The definitions:

  • Point: the smaller space to be occuped;
  • Line: a group of points going to one direction;
  • Plane: a group of lines.

Adapting to music:

  • Point: a single short line;
  • Line: a continuous sound;
  • Plane: a lot of countinuous sounds.

Thinking in this, one can “subvert” all music itens (harmony, counterpoint, melody etc) to these concepts, working even more free (bending and breaking rules).

Another very important concept to orchestrate is the organology, in other words, the classification of instruments. A system I like to use is Hornbostel-Sachs, that propose the classifing based on sound produtor element. It’s 5 main cathegories (and its subdivisions):

  1. Idiophones – the sound is produced primarily by the body or parts from the instrument, by the material’s own elasticity, without needing aditional tension, neither strings, membranes or air columns. Examples: xylophone, cymbals, castanets etc;
  2. Membranophones – the sound is produced by the vibration of a stretched and tensioned membrane. Ex: timpani, bongo drums, snare drum etc;
  3. Chordophones – the sound is produced by one or more tensioned strings. Ex: violin, piano, harp etc;
  4. Aerophones – the sound is produced by air vibration or its passage through edges or reeds. Ex: flute, oboe, pipe organ etc;
  5. Electrophones – the sound is produced by electroeletronic means. Ex: synthesizers, theremim, ondes martenot etc;

For an orchestrator, these two concepts (point-line-plane and organology) are keys to a good way. One must think the orchestra or instrument groups to be used as a watercolor pallete, and each instrument as a color from that pallete. As colors, there isn’t bad quality. The organology comes when you think in each family colors, sound effects and in construction of new tones(timbres) and instruments.

Besides, it’s important that orchestrator listen to loads of group music (orchestra or chamber), it must have contact with these languages. And study the scores, whenever possible.

There are many books with great content about this topic, I’ll indicate some:

  • Rimsky-Korsakov (obviously) – Principles of Orchestration* (the Garritan Interaticve people made an online edition comented by some composers here)
  • Cecil Forsyth – Orchestration*
  • Cecil Forsyth – Choral Orchestration*
  • Walter Piston – Orchestration
  • Samuel Adler – The Study of Orchestration (the better book, the most complete and updated)
  • H.Berlioz e R.Strauss – Treatise on Instrumentation*
  • Charles-Marie Widor – The Technique of the Modern Orchestra*
  • A.Blatter – Instrumentation and Orchestration
  • A.Stiller – Handbook of Instrumentation

All books tagged with an * may be found legally for free. All of them are in IMSLP, by the way. If you’re only reading one, Adler is the chosen one, but it is important read many about this theme, because every author introduces his vision, everyone has different details being explored.

So, this is all folks. On the next orchestration post we’ll begin to play, indeed.

Until next time!


Introdução à Orquestração

•ter, 29/05/2012 • Deixe um comentário

English – Русский

Olá Amigos!

Sei que estou devendo posts mais frequentes e comentários sobre vários assuntos importantes, mas meu tempo tem sido bem escasso. Vou tentar manter a média de 1 post grande por semana até essa onda passar. Espero que me perdoem. =)

Bom, vamos dar início hoje a um novo tema no blog, Orquestração.

Mais que uma técnica, orquestração pode ser chamada de arte. É uma das 4 especialidades que um bom compositor deve ter, e como disse Rimsky Korsakov no prefácio de seu tratado sobre orquestração:

Assim como um tratado de harmonia, contraponto, ou forma mostra ao estudante matérias harmônicas ou polifônicas, arranjo formal, e métodos técnicos sonoros, mas nunca vai dar-lhe o talento para composição, então um tratado de orquestração pode demonstrar como produzir um acorde de certa qualidade de tom que soe bem, distribuído uniformemente, como destacar uma melodia de seu conjunto harmônico, progressão correta das partes, e resolver todos estes problemas, mas nunca vai estar apto a ensinar a arte da orquestração poética. Orquestrar é criar, e isto é algo que não pode ser ensinado.


O poder da orquestração sutil é um segredo impossível de transmitir, e o compositor que possuir tal segredo deve dar-lhe um alto valor, e nunca rebaixá-lo ao nível de um mero conjunto de fórmulas decoradas“.

É exatamente isto que penso. Orquestrar não é um conjunto de regras, mas assim como todas as formas do fazer musical, é parte duma espressão, duma estética, dum sentimento. Orquestrar é intimamente ligado ao processo de composição, tão importante quanto as questões melódicas, rítmicas, harmônicas… deixar a orquestração um passo abaixo dessas outras questões é um erro gravíssimo.

Aleksandr Glazunov, grande compositor e orquestrador russo, dividia a excelência em orquestração em três níveis:

1. Quando a orquestra soa bem, lendo à primeira vista; magnífica, depois de alguns ensaios;
2. Quando os efeitos não aparecem senão com um grande carinho e atenção da parte do regente e dos músicos;
3. Quando a orquestra nunca soa bem.

Evidentemente, a principal meta é obter o nível 1, sempre. É óbvio que dificilmente alguém irá produzir obras-primas todos os dias, mas uma obra-prima só aparece depois de muita prática (e boas idéias, também). Praticar isto todos os dias (ou várias vezes pela semana) é um ótimo meio de se obter esta experiência, esta fluência em vários instrumentos, essencial para desenvolver este “senso poético” que Rimsky-Korsakov dizia.

“Mas Korsakov dizia que não são conjuntos de regras/fórmulas que formam um bom orquestrador, certo? Então por que existem tantos tratados e tantas regras sobre orquestração?” Muitos devem estar se perguntando agora. De fato, existe muito disto mesmo. Só que, como música nunca vai ser uma constante, uma ciência exata, há regras didáticas (feitas para ensinar algum aspecto e restrigir o foco nele), há regras estilísticas (estilos diferentes, estéticas diferentes) e regras gerais. Nas mãos de um compositor habilidoso todas as regras podem ser quebradas, dobradas ou expandidas…para isso basta apenas imaginação e bom senso. E prática.

Eu gosto de imaginar a orquestração em paralelo com a pintura: se a música fosse um quadro, as cores viriam da orquestração. Este paralelo é tão comum que vários compositores e musicólogos falam termos como “cor do timbre”, “cor da música”, “cores da orquestra”…existe até a técnica klangfarbenmelodie (melodia de cores do som ou melodia de timbres), criada por Schönberg. Recente, numa aula que tive com Eduardo Camenietzki, tive uma visão ampliada sobre este conceito.

Ele falou que gosta de pensar na orquestração na teoria que Wassily Kandinsky cunhou, de ponto, linha e plano. Tudo pode ser reduzido a estes três elementos e a misturas entre eles. Eis as definições:

  • Ponto: menor espaço a ser ocupado;
  • Linha: conjunto de pontos caminhando a uma direção;
  • Plano: conjunto de linhas.

Adaptando à música:

  • Ponto: uma única nota curta;
  • Linha: um som contínuo;
  • Plano: vários sons contínuos.

Com isto em mente, dá pra “subverter” todos os itens (harmonia, contraponto, melodia etc) da música a estes conceitos, trabalhando até de forma mais livre (dobrando e quebrando regras).

Outro conceito importantíssimo para orquestrar é a organologia, ou seja, a classificação dos instrumentos. Um sistema que gosto muito de usar é o Hornbostel-Sachs, que se propõe a classificação com base no elemento produtor do som. São 5 principais classificações (e todas tem suas subdivisões):

  1. Idiofones – o som é produzido primariamente pelo corpo ou alguma das partes do instrumento, pela própria elasticidade do material, sem necessidade de tensão adicional, nem cordas, membranas ou colunas de ar. Ex: xilofone, pratos, castanholas etc;
  2. Membranofones – o som é produzido pela vibração de uma membrana estendida e tensionada. Ex: tímpanos, bongô, caixa clara etc;
  3. Cordofones – o som é produzido pela vibração de uma ou mais cordas tensionadas. Ex: violino, piano, harpa etc;
  4. Aerofones – o som é produzido pela vibração do ar ou pela sua passagem através de arestas ou palhetas. Ex: flauta, oboé, órgão de tubos etc;
  5. Eletrofones – o som é produzido por meios eletroeletrônicos. Ex: sintetizadores, theremim, ondas martenot etc;

Prum orquestrador, estes dois conceitos (ponto-linha-plano e organologia) são chaves para um bom caminho. Deve-se pensar na orquestra ou no grupo de instrumentos a serem usados como uma palheta de aquarela, e cada instrumento como uma cor daquela palheta. Como cores, não existem as de qualidade ruim. A organologia entra na parte onde você pensa as cores de cada família, efeitos de som e na construção até de novos timbres e instrumentos.

Além disso, é importante que o orquestrador ouça muita música pra conjuntos (seja de câmara ou orquestrais), ele tem que estar em contato com estas linguagens. E estudar as partituras, sempre que possível.

Há vários livros com ótimo conteúdo sobre este tema, vou indicar alguns (todos em inglês, procurem em inglês):

  • Rimsky-Korsakov (obviamente) – Princípios de Orquestração* (o pessoal da Garritan Interaticve fez uma edição online dele comentada por vários compositores aqui)
  • Cecil Forsyth – Orquestração*
  • Cecil Forsyth – Orquestração de Coral*
  • Walter Piston – Orquestração
  • Samuel Adler – O Estudo da Orquestração (o melhor livro, mais completo e atualizado)
  • H.Berlioz e R.Strauss – Tratado em Orquestração*
  • Charles-Marie Widor – A Técnica da Orquestra Moderna*
  • A.Blatter – Instrumentação e Orquestração
  • A.Stiller – Manual de Instrumentação

Todos os livros marcados com um * podem ser encontrados legalmente de graça. Todos têm no IMSLP, por sinal. Se for pra ler só um, o Adler é o escolhido, mas é importante a leitura de vários sobre o tema pois cada autor introduz sua visão, cada um tem detalhes diferentes sendo explorados.

Então, é isto galera. No próximo post de orquestração vamos começar a brincadeira, de fato.

Até a próxima!


•ter, 27/03/2012 • Deixe um comentário

Português – Русский

Hello friends!

Sorry for the (long) time without posts. I had too many appointments and didn’t manage well my schedule, I ended up abandoning the blog.

But now I’m back, full throttle!

For this new period, we’ll begin pumping harder. Folowing the canadian composer Alan Belkin‘s advices in his Letter to a Young Composer, I’m going to adopt his order of disciplines to be approached. Harmony (maily tonal) -> Counterpoint -> Orchestration. I’ll disrespect the required time he suggests, after all here isn’t a “course”, but a motivation factor to people, like me, who are passionate about composing. Besides, I think it’s very valuable reading this letter.

Well, this is it. May 2012 be “The Year”!!!

De volta!

•ter, 27/03/2012 • Deixe um comentário

English – Русский

Olá amigos!

Desculpem o (longo) tempo sem posts. Tive muitos compromissos e não gerenciei bem os meus horários, acabei abandonando aqui.

Mas agora estou de volta, com força máxima!

Já para este novo período, vamos começar já pegando no pesado. Seguindo os conselhos do compositor canadense Alan Belkin em sua Carta para um Jovem Compositor (em inglês), vou adotar sua ordem de disciplinas a serem abordadas. Harmonia (principalmente a tonal) -> Contraponto -> Orquestração. Vou desrespeitar o tempo requerido que ele sugere, afinal aqui não é nenhum “curso”, mas uma forma de motivar as pessoas que, assim como eu, são apaixonadas pela composição. Aliás, acho muito válida a leitura desta carta.

Bom, é isto. Que 2012 seja “O Ano”!!!

Perception, for composers

•seg, 17/10/2011 • Deixe um comentário

Português – Русский

Hello dear friends! As I promised, today I’ll talk about a topic that now a days many ignore: PERCEPTION.

Before all, let’s search in Google a definition for “music perception”:

Music perception is the capacity of perceive the sound waves as part of a music language. Specially involves the identification of sound physical attributes, like volume, tone and pitch (sound perception), but also music elements as melody (melody perception) and rhythm (rhythm perception).

Well, now we have a goal to reach: “perceive the sound waves as part of a music language”. Now we must find a way. But why perception is important, especially for the composer? Continue lendo ‘Perception, for composers’

Percepção, para compositores

•seg, 17/10/2011 • Deixe um comentário

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Olá amigos! Como prometido, vou abordar hoje um assunto que atualmente muitos passam batido: PERCEPÇÃO.

Antes de tudo, vamos aos Google procurar uma definição para “percepção musical”:

A percepção musical é a capacidade de perceber as ondas sonoras como parte de uma linguagem musical. Envolve especialmente a identificação dos atributos físicos do som, como volume, timbre e afinação (percepção sonora), mas também elementos musicais como melodia (percepção melódica) e ritmo (percepção rítmica).

Bom, já temos um objetivo a atingir: “perceber as ondas sonoras como parte de uma linguagem musical”. Agora falta descobrir um caminho. Mas por que a percepção é importante, sobretudo para o compositor? Continue lendo ‘Percepção, para compositores’


•seg, 10/10/2011 • Deixe um comentário

Português – Русский

Still beginning! Now, I’m gonna talk about the tools I use and will be here in examples.

The composer now-a-days must know to use the computer. It isn’t a pre-requisite to be a good professional, but expands sensibly the list of resources one can use. Furthermore, with the growing use of so-called “virtual instruments” we’re not anymore hostages from others to record our own music. Of course that nothing beats a live performance (at least for me), but it’s a viable alternative to build a sound portfolio when you’re not famous and/or don’t have money enough to leave an orchestra and a record studio on standby. Not to mention artistic movements where the computer is a key element in current production, like electroacoustic music and concrete music (since cassette tapes are gone).

So, to begin, we must get some softwares. But what? I’m not an expert in musical production and sound engineering – I came from a more acoustic background – but I get along relatively well in these topics. We have to divide softs per function and after this to seek the best for us, ‘cause there is no better at all, but one which we deal better. But, generally, they tend to be very similar in resources, interfaces and ambients. The decision ends up being by personal taste and available computing power.

The main functions:

  • DAW – Digital Audio Workstation: sequencers designed primarily for recording, editing and playing back digital audio. Basically it’s their main usage, but with the current processing power and the gigantic gamma of plugins, DAWs actually serve as stations for all-around works, including live performances and recording of some virtual instruments, even for generation of music scores. I used by several years SONAR, but the pc where it was installed crashed, and I lost the installation cds… I’m still deciding of which one will use for now on. Examples: Cakewalk SONAR®, Apple Logic Pro®, Ableton Live®, Cockos Reaper®, Steinberg Cubase®, Avid Pro-Tools®, Image-Line FL Studio® (the old Fruity Loops, which evolved from a grooves/loops creator to a complete DAW) et cetera;
  • Scorewriter: just as the MS Word deal with plain text, there are softs for score writing. They’re very needed when you long for take your music for another performers and also for the copyright register – a copy of scoresheets are required for the process. I use Finale 2006 (proprietary) and MuseScore (freeware), but there are a lot of similar ones, with near identical behavior. Sibelius is also well liked by many. Another examples: Encore, Guitar Pro, SmartScore, Power Tab Editor, Capella et cetera. I highly recommend the MuseScore (downloadable at, it practically retired my Finale; there are some bugs but it works very well on general. The vast majority of examples here will be done in it;
  • Audio Editor: softs for quick digital audio editions. Usually DAWs do all these functions, but for little adjusts (like format conversions) I prefer use them, because I don’t have very very powerful computers. My favorite is Audacity (, another freeware;
  • Samples, Effects Processor and Synthesizers: here’s the cool part of all this – are the “instruments” themselves. Samples are samples (duh!) of tones or little loops used as instruments, while synthesizers are softwares that create tones from some modelling technique (see FX Processors are softwares that modify sound input with some effect (reverb for example). There are formats joining these characteristics, like Soundfonts, that use sample-based synthesis. Exist several softs working with samples and synths, even the large majority of DAWs comes with native synths and FXs. Steinberg created a technology that works interfacing various synths/FXs and a DAW, like they’re a sort of plugins. The name is Virtual Studio Technology, abbreviated as VST.

These are the main softwares that will be used. Also exist softs for perception training (Ear Tuner, EAROPE, Auralia…), but I’ll talk about some of them in the next post. Any doubt or suggestion about softwares? Leave it in comments or send it by email to

Cya next time, folks!